Ricardo Luna, Ableton Certified Trainer , salió de sus fronteras chilenas para compartir sus estrategias creativas con Latinoamérica.

Septiembre cerró muy random en DJLab cuando el pasado sábado 29, el músico, compositor y Ableton Certified Trainer Ricardo Luna (Richi Tunacola) impartió su Taller “Randomness: Sonidos que cobran vida”, donde revela a Ableton como una herramienta creativa muy útil para producir sonidos y secuencias a partir de procesos aleatorios. Así, el músico chileno nos apartó por un momento de la idea de que la única posibilidad para crear música es teniendo brotes espontáneos de inspiración, y nos acercó a la programación de “accidentes musicales”, que aportan sonidos inusuales a la producción.

La idea es dejar la inspiración divina para cuando llegue, y mientras tanto utilizar, cuándo y cómo queramos, la magia de esta estrategia creativa.

Muy impresionada por su geekness como músico y productor y su buen gusto musical, me atreví a hacerle unas preguntas de su visión como artista, proyecto musical y su gira por Latinoamérica, que lo ha llevado a países como Argentina, Colombia y Panamá, en las últimas semanas.

E: ¿Cómo ha sido tu recorrido por la música?

R: Mi primer acercamiento a la música fue a los 14 años, que empecé como baterista de bandas de colegio. A los 17 años empecé a tocar profesionalmente en locales: fue mi primera chamba. Después de que salí del colegio, me involucré en distintas carreras, porque estaba en el lío familiar de que el músico se muere de hambre, pero tras varios intentos, a los 21- 22 años, entré a estudiar música académica tradicional. Yo me titulé de músico arreglista y compositor.  

E: Entonces, ¿cuándo fue el acercamiento a la música electrónica?

R: Esa es la historia paralela.  A los 13 años, antes de que tocara batería, llegaron a vivir unos gringos a mi casa porque mi madre se enamoró de un exiliado político chileno que había vivido en Estados Unidos toda su vida.  Cuando vuelve la democracia a Chile, él se devuelve y se trae a sus hijos con él. Llegaron a mi casa con la cultura gringa de cómics, películas VHS, etc. Entre las cosas que traían, venían cassettes de hip hop. Yo nunca había escuchado algo parecido. Eso me voló la cabeza, para mí fue lo máximo.  Desde ahí, comenzó mi relación con esta parte electrónica. Mi familia fue la puerta de entrada a la música clásica. El hip hop, la puerta a los beats y las máquinas. Por eso terminé creando Tunacola, con el intento de casar esas dos cosas.

 

E: ¿Cómo llegaste a Ableton Certified Trainer?

R: Mi familia tenía razón, no había chamba. Había conocido a Live unos años antes y sabía cómo usarlo. Entonces, me metí a ser profesor por necesidad en un principio. Después diseñé un programa de estudio de un semestre y terminé dando clases en una universidad pequeña de Chile. Luego ellos mismos hicieron su propia academia y me dijeron que Ableton estaba certificando. Apliqué y me certifiqué. Se empezaron a abrir puertas para mí. Algo que partió como necesidad se convirtió en una de las dos cosas que más me gusta hacer. Trato de buscar mi voz como artista y como profesor, es lo que puede hacerme único.

E: ¿Qué te trajo a Costa Rica en esta gira por Latinoamérica?

R: Ustedes tienen una imagen país muy potente y muy positiva, que es verdad en el fondo.  Cuando estaba armando ruta, México era un punto definitivo para ir y era el final del camino, entonces pensé que podía pasar antes y hacer mi primer acercamiento. Es abrir la ruta y pavimentar. Así me abro camino y me vuelvo parte de la comunidad.

P: Actualmente en tu gira has visitado Buenos Aires, Bogotá y Ciudad de Panamá. ¿Qué experiencia te has llevado en estas visitas?

Es increíble, porque todos los países son muy diferentes entre sí. Lo que más me ha sorprendido es las diferencias que hay entre Costa Rica y Panamá, que están al lado. Es distinta la mentalidad.

P: ¿En qué sentido?

Yo creo que está en las políticas culturales de cada país. En Panamá hay una política cultural inexistente. Es un país donde se hace plata y eso es lo que está presente ahí. Obviamente hay artistas que están empujando, pero tienen que empujar contra una masa de leyes que quieren sacar la música de los programas oficiales. No hay una comunidad. Hay productores underground que de vez en cuando tocan, pero no hay una escena nutrida. Acá en Costa Rica, a pesar de que es un país pequeño, hay muchas cosas más pasando.

P: En cada país hiciste un taller relativo a diferentes temas. Por ejemplo, en Bogotá hiciste un taller de creación de armonías para músicos electrónicos. ¿Por qué escogiste el Randomness para Costa Rica?

R: Es que como primer workshop es un hit. El de armonías también es súper bueno, pero el de Randomness se separa de las cosas tradicionales que se enseñan, entonces quise como entrar con mi forma de hacer las cosas de entrada. Que me conozcan como el “weon raro”

P: ¿Qué tal tu próxima producción con Tunacola? Hace poco sacaste dos singles: El viento que nos lleva a los dos y De lejos.

R:  Sí, los dos singles son canciones de amor y ese es el palo de este nuevo disco. Cantar de amor en el fondo es difícil entonces me demoré mucho. Tarde 4 años en sacarlo, pero por fin, ya está listo. Ya solo se está masterizando. Saldrá en octubre o noviembre y pienso que será el mejor. Es un espectáculo que quiero mostrarle a Costa Rica. Me gustaría hacer un espectáculo con músicos ticos o un híbrido. La idea es armar un formato de 8 músicos y recorrer todas las canciones de Tunacola en un show súper intenso.

https://www.youtube.com/watch?v=H3oebT7jHXM

P: ¿Qué es lo que más te gusta de trabajar con otros artistas?

R:  Lo mismo que me pasa con Randomness. Me gusta que entran con una visión de las cosas que no es necesariamente la tuya. Cuando te abres es cuando realmente se enriquece todo. Siempre estás metiendo tu universo completo dentro de tu música. El hecho de soltar y que siga siendo perfecto para ti, es una elección filosófica que te permite vivir mejor. Colaborar es como entenderse con el resto de los humanos y eso obviamente es bueno.

P: ¿Qué equipo de producción no podría faltar en un live performance tuyo?

En este momento no podría vivir sin el Arturia Minibrute 2S. ¡Uno lo puede hacer hablar! Me encanta la versatilidad que tiene. Si tú lo miras, tiene solo perillas y botones, entonces tiene demasiadas formas de controlarlo. Sin ese no podría existir.

P: ¿Te permite canalizar toda la adrenalina que te sale durante el Live Performance?

R: Sí, completamente. Con él puedo hacer paisajes sonoros súper oníricos y pequeños o, por el contrario, desatados e intensos, hasta que la gente se empiece a asustar (ríe).

P: ¿Algún otro que no pueda faltar?

R: Mi Interfaz Universal Audio. Los plug-ins Universal Audio, son maravillosos. Dentro de los que existen son lo mejor que hay. Tengo la suerte de tenerlos todos por tener una academia. Cuando toco, paso el micrófono y el Arturia por ahí, entonces es como tener un compresor Neve o SSL. Suena increíble.

P: ¿Qué tanto randomness usas para producir?

R: Es una buena pregunta. En todos los tracks que hago, siempre hay algo de eso. Hay un elemento random que me gusta incluir. Algún elemento especulativo. Si escuchas De Lejos, que es una balada lenta, se puede escuchar un synth ondulando, eso es un filtro random. En todas las canciones hay ejemplos súper puntuales de esto. Eso sí, siempre lo uso como una capa, no más. En el fondo hace que algo que es plano, automáticamente empiece a tener vida, solo por el hecho de tenerlo en el fondo en alguna parte. Para mi eso es importante, porque si uno no hace estas cosas, la electrónica se vuelve súper árida y rígida para mí. Lo muy máquina no es mi rollo. Mi rollo es más latino, más humano. Entonces, es a través del randomness que he encontrado esa humanidad en las máquinas.

P: Además de randomness ¿qué otro mecanismo recomendarías para estimular la creatividad?

Romper restricciones. Por ejemplo haz un track sin hi hat, un track 55 RM, un track sin bajo y ahí empiezas a pensar cómo lo haces, qué otros recursos usas para hacerlo bien. Ahí uno aprende montones de cosas. Lo mismo que cuando uno es pobre y no tiene plata para ir a comer rico, aprende a cocinar bien.  

P: ¿Qué consejos les darías a los productores emergentes?

Yo diría que partan imitando a otros, únicamente para aprender de sonido y técnica, pero que inmediatamente hagan lo que les gusta hacer y no lo que dice el mercado o esté de moda. En el fondo es súper lógico, no hay nadie como uno y lo que vale es uno mismo, no una imitación de otros. Encuentren esa voz interna, que es muy honesta. Hay que hacer lo que a uno le gusta. Por ejemplo, ayer en el concierto que hice con Rombos, hice cosas muy raras durante mi live performance, pero me gustan y así soy. No hay nada más estimulante que ver un “weon” que toca algo que no le gusta a todo el mundo, pero que realmente lo disfruta.

Actualmente, DJLab se encuentra impartiendo Cursos de DJ y Producción Musical con Ableton Live. Además, estará desarrollando proyectos en conjunto con Insound de Jimmy van M. Si te interesa saber más, ingresá a la sección de Cursos.

Elaborado por Paola Sánchez Quirós, escritora y editora del blog de DJLab (San José, Costa Rica), estudiante de comunicación y estudiante de cursos de DJ Profesional y Producción Musical con Ableton Live en DJLab y Brooklyn Digital Conservatory.