Probablemente has escuchado del manual de referencia de Ableton. Un documento escrito que nos habla de las cualidades y trucos del software, conceptos importantes, ventajas, entre otros, el cual no solo es maravilloso porque nos da una idea clara de qué es y cómo funciona Ableton Live, sino también su escritura y forma de explicarnos conceptos es lo suficientemente claro y agradable, para que cualquiera pueda volverse un gran conocedor del software.

Pues bien, detrás de toda gran obra maestra, como en este caso, existen los genios creadores. Uno de ellos es el Director de Documentación de Ableton: Dennis DeSantis, a quien tuvimos la oportunidad de entrevistar y presentarle DJLab, como única escuela certificadada por Ableton en Centroamérica.

Dennis DeSantis no es solo autor del Manual de Referencia de Ableton, también tiene una larga trayectoria como músico percusionista, compositor, diseñador e ingeniero de sonido. Recientemente publicó el libro Making Music: 74 Creative Strategies For Electronic Music Producer otra genialidad a la mano de los productores que podés encontrar en la página de Ableton, en Amazon Kindle y Apple Books. El libro es una colección de posibles soluciones a trabas que encontramos durante el proceso creativo a la hora de realizar una pieza musical, desde su inicio hasta su finalización. Pasando por cada etapa, presentando posibles problemas y como solucionarlos.  

Tal y como esperamos con la entrevista Dennis, no sólo nos dio una perspectiva muy interesante ante ciertas de nuestras inquietudes, sino que aprendimos algo de cada respuesta, y pues por supuesto, esto nos motiva más a seguir impulsando lo que amamos: ¡la música!

P: Ableton recientemente presentó algunos tutoriales en línea para aprender música de forma práctica y teórica: Get Started Making Music y  Get started making sounds ¿Sientes que este tipo de aprendizaje a través de la práctica es superior a leer sobre un concepto o mirar pasivamente un tutorial?

D: Si. Alentar a las personas a “hacer cosas” es una parte fundamental del enfoque de estas herramientas. Ver tutoriales pasivamente es una forma útil de aprender ciertos aspectos de las cosas que estamos enseñando, pero la producción musical es, al menos en parte, una colección de prácticas con las que se debe involucrar directamente. Damos esto por sentado cuando consideramos casi cualquier otra práctica musical, como aprender a tocar un instrumento. Ver un tutorial sobre tocar el piano, por ejemplo, es útil para obtener una mejor comprensión y dominio del instrumento, aprender sobre las prácticas de otros pianistas o inspirarse. Pero para aprender a tocar el piano, debes tocar el piano. Con estos sitios, estamos tratando de acercar la teoría y la práctica, tanto físicamente (las cosas que estás aprendiendo, están cerca de los lugares para jugar con ellas) como pedagógicamente (en cualquier momento, el entorno está diseñado para estar al mismo nivel de complejidad que los conceptos que estás aprendiendo).

P: Tu libro Making Music: 74 Creative Strategies For Electronic Music Producer es una guía fantástica para músicos y para cualquier persona creativa que busque inspiración en el arte. ¿Cuáles, en tu opinión, son las tres estrategias más importantes que presentas en el libro?

D: Mi esperanza es que esta pregunta tenga una respuesta diferente para cada lector. El objetivo del libro era diseñar una colección de formas de pensar sobre la música desconectadas entre sí, con la esperanza de que algunas de ellas le sirvan a un lector de tal manera que encuentren la forma de salir del bloque creativo que los hizo elegir el libro en primer lugar. Por lo tanto, para un lector, una estrategia en particular puede ser totalmente poco interesante porque no tiene ningún sentido en su práctica musical, o lo han intentado y los resultados fueron terribles, etc. Pero para otra persona, esa misma estrategia podría ser crítica para hacer un gran avance.

Además, las estrategias cubren una amplia gama de especificidad. Algunas de ellas son bastante estrechas y se centran en una técnica musical o de producción en particular. Otras son mucho más amplias y tienen menos que ver con hacer algo en particular, sino más bien en pensar de otra manera. Para los más estrechos, posiblemente puedas escuchar una pieza musical y escuchar que es un ejemplo de la estrategia. Para los más amplios, los resultados (si hubiera alguno) serían mucho más personales y también difusos: un oyente probablemente no podría escucharlos directamente.

¡Pero después de toda esa explicación, puedo decirte mis favoritos! Me gusta “Write drunk, edit sober” (Escribe borracho, edita sobrio) porque creo que es una práctica creativa universalmente útil y para mucho más que solo música. “Process vs. Product” (Proceso vs. producto) es interesante porque es dogmática y potencialmente controvertida. También debería haber incluido uno llamado “Producto vs. Proceso”, solo para aclarar que no hay respuestas correctas. Finalmente, “Pensar como un aficionado” es un buen consejo para cualquiera que haya comenzado a descubrir que algo que solía amar y que ahora se siente como una tarea.

P: En este mismo libro, hablas de músicos que usualmente se inspiran por otra música. Con la globalización en algunas regiones, por ejemplo, pasa mucho en países latinoamericanos como Costa Rica, es muy común ver productores emergentes componiendo música basada en estilos de otros países. ¿Cómo crees que los compositores/productores pueden imitar estos estilos de música, sin dejar de lado ideas que provengan del mismo estilo cultural/regional?

D: ¡Esta es una gran pregunta sin respuestas fáciles! Creo que parte del trabajo consiste en pensar realmente en los contextos culturales en los que existe un estilo musical particular, incluido el que usted considera su propio estilo “hogareño”. ¿Cuál es la función de la música en su cultura? ¿Cuáles son las implicaciones de no abordar adecuadamente esta función en su enfoque de la música? ¿Qué sistemas de poder y privilegios existen entre las culturas musicales en cuestión?

Además de los temas culturales, también hay temas musicales. ¿Qué significa tomar prestado de los estilos globales? Podría ser útil pensar en la música en términos de “características” separables, y luego considerar lo que podría significar tomarlas prestadas de forma independiente. Por ejemplo, si toma solo el carácter rítmico de un estilo, ¿cómo difiere esto de tomar solo las ideas melódicas? ¿O ideas de diseño tímbrico / sonoro / instrumentación? ¿Algunos de estos tipos de préstamos se sienten más o menos imitativos que otros?. Finalmente, probablemente sea injusto suponer que la imitación siempre es algo malo. Esto podría ser un objetivo musical intencional y legítimo.

4. Hablemos de tu trabajo personal: ¿Cómo equilibras todos tus proyectos creativos? ¿Centras toda tu energía en uno a la vez o prefieres trabajar en varios proyectos a la vez?

D: En realidad, no creo que los equilibre muy bien. Tiendo a concentrarme en una cosa lo suficiente como para hacer que se mueva en una dirección, pero luego cambio mi enfoque a otra cosa antes de establecer suficiente inercia para continuar. Esto significa que cuando finalmente vuelva a la primera cosa, necesito pasar una cantidad innecesaria de tiempo para volver a ello a un nivel de profundidad que haga que el trabajo sea significativo nuevamente. Últimamente, paso mucho tiempo con la programación en Max para permitir algunas cosas idiosincráticas muy específicas que estoy interesado en explorar en mi propia música. Idealmente, también pasaría la misma cantidad de tiempo practicando instrumentos y trabajando en música original, y probablemente lo haré una vez que inevitablemente haya salido de esta fase.

P: Has creado / escrito y producido música increíble. ¿Estás trabajando en música nueva en estos momentos? y si es así ¿cuándo podremos escucharla?

¡Gracias! Según la pregunta anterior, actualmente paso más tiempo creando herramientas para trabajar en música que componiendo música. ¡Pero esto podría cambiar en cualquier momento!

En términos más generales, siempre estoy trabajando en algo musical de alguna manera y mi computadora está llena de bocetos en varios niveles de finalización. Una de las realidades de cómo se ha desarrollado mi vida es que no necesito depender de la producción musical para obtener ingresos. Esto es genial, porque mi trabajo creativo puede ser tratado completamente como un pasatiempo, lo que permite una separación natural (y creo que muy saludable) del trabajo y el juego. Pero esto también es terrible porque sé lo motivante que puede ser la presión externa para terminar las cosas. Probablemente, yo debería leer mi libro.

P: Finalmente, sos originario de los Estados Unidos y estuviste radicado en la ciudad de Nueva York durante bastante tiempo antes de mudarte a Berlín. ¿Cuáles son algunas de las diferencias que has observado en las culturas de la música electrónica entre estas dos ciudades? ¿Existen diferencias en los procesos creativos de los músicos de Nueva York y Berlín?

D: No salgo mucho, y tampoco en Nueva York, así que definitivamente no soy un experto en las culturas de la música electrónica en estas ciudades. Una cosa que ambos lugares tienen en común es que son centros para personas de todo el mundo y que necesariamente traen consigo rastros de prácticas musicales preexistentes, por lo que la noción de cómo podría ser una práctica local de música electrónica, probablemente sea muy diferente hoy, a lo que pudo haber sido cuando era una práctica emergente y muy local.

Una cosa que ambas ciudades tienen en común es una riqueza cultural compartida; siempre hay mucha música sucediendo y hay una interesante polinización cruzada entre escenas aparentemente divergentes. Pero es difícil saber cuánto de esto es producto de las culturas musicales locales, y cuánto influyó con músicos que llegaron de otros lugares.

Si querés revisar la entrevista en inglés, ingresá al siguiente link

Escrito y traducido por Paola Sánchez Quirós, escritora y editora del blog de DJLab (San José, Costa Rica), estudiante de comunicación y estudiante de cursos de DJ Profesional y Producción Musical con Ableton Live en DJLab y Brooklyn Digital Conservatory.