Jean-Patrice Rémillard (también conocido por su nombre artístico Pheek) es un productor de música electrónica de Montréal, Canadá. Conocí a Pheek a través de la web a inicios del 2019, cuando él buscaba un programador para realizar plugins de Max for Live. Tuvimos un encuentro de intereses en cuanto se trataba de la producción musical y la creación de herramientas originales, y desde entonces hemos publicado varios devices de Max for Live juntos, con varios más en desarrollo actualmente.

Aparte de ser un increíble productor con una larga trayectoria, Pheek también ha sido educador de música electrónica por un largo tiempo. A finales del 2019, empezó a publicar una nueva serie de tutoriales llamado “Making a Techno Track From Start to Finish“, donde a través de varios capítulos, explica su proceso creativo mientras desarrolla una pieza desde principio a fin. A través de esta serie, no se enfoca tanto en “cómo” utilizar su herramienta de preferencia (en este caso, Ableton Live), sino que explica sus motivaciones artísticas y su filosofía de trabajo.

Una vez que empecé a ver esta serie, quedé enganchado. Contenido educativo de este tipo es sumamente único – en estos videos no necesariamente vas a aprender trucos de Ableton Live, pero si vas a ponerte a pensar de cómo estructurar tu proceso de composición. Al ver que estos videos buscaban explorar algo profundo de la creatividad, decidí contactar a Jean-Patrice y entablar una conversación para entender más de quien realizó estos videos.

Pedagogía en línea

Nuestra conversación inició enfocada en el tema de videos educativos en sitios web. Está claro que la manera en la que las personas aprenden ha cambiado enormemente desde el desarrollo del internet, pero me daba curiosidad saber cómo alguien con una trayectoria con más de 20 años de experiencia en el campo de la educación empezaba a incursionar en un formato nuevo.

DJLab: ¿Cómo entraste al mundo de tutoriales en YouTube? Siendo un medio tan activo, ¿Cómo puedes conceptualizar algo nuevo para esta plataforma? ¿Por qué escogiste YouTube?

Pheek: Me tomó como 4 o 5 años decidir hacer videos. Empece haciendo un par, pero yo diría que la calidad de grabación era bastante mala. Sin embargo, se hicieron populares, aún considerando que la calidad no era tan buena. Yo siento que no estaba listo para hacer todo el trabajo por mi cuenta, así que lo deje de lado.

Como dices, YouTube esta lleno de muchos diferentes tipos de tutoriales, pero había gente que me pedía que yo hiciera más tutoriales porque les gusta como yo veo y explico la música, pero no se me occurría cómo hacerlo. 

Un amigo con el que trabajo me dijo: “yo puedo hacer videos de muy alta calidad, y lo que tienes que decir es muy diferente a cualquier otra persona en YouTube. Tienes un enfoque muy preciso, así que siento que tenemos un concepto original. Si la gente lo sigue, siento que podría ser algo bueno y diferente, y podría beneficiar a muchas personas que se identifican con la manera en la que ves la música”. Así es como se dio, pero realmente tardó bastante tiempo.

DJLab: ¿Crees que los primeros videos que realizaste contribuyeron algo valioso para los videos nuevos? ¿Crees que sirvieron como investigación cuando te preparabas para esta serie?

Pheek: Sí, definitivamente diría que fueron pruebas, y atrajeron a un número de personas. 

Ya que hay personas que conocen lo que hago, y otras personas necesitaban la información, no les importó la calidad del video, solamente vieron la seriedad de lo que tengo que decir. Hay personas que le prestan mucha atención a la presentación de los tutoriales, y salen perdiendo mucha información de otras fuentes. Hay muchos videos que son de alta calidad, pero la música que están haciendo no es interesante, y el contenido es medio aburrido.

Así que sí, siento que fueron buenas pruebas, y ahora lo estoy actualizando a un nuevo nivel. 

DJLab: ¿Tuvo algún efecto haber visto tutoriales de otras personas cuando desarrollaste tus videos? Al ver las prácticas empleadas en estos videos, ¿hubo algún cambio en cómo ves la educación?

Pheek: Bueno, te comento que he sido profesor desde 1995, al graduarme de la universidad. Tuve la oportunidad de enseñar teatro, matemáticas y francés en una escuela donde estaban teniendo muchos problemas con jóvenes muy violentos. Me llamaban el “guardián de la paz”, ya que soy muy tranquilo, y los muchachos se sentían cómodos conmigo ya que me gustaba la música electronica e iba a “raves”. No me veían como un profesor, sino como uno de ellos, y eso les gustaba. Desde entonces empecé a enseñar, y era bastante bueno y me encantaba. Después, cuando trabajaba como músico, empecé a dar lecciones personales de Ableton en Montreal. Eventualmente empecé a enseñar ingeniería de sonido en una escuela privada también.

La razón por la que digo esto es porque cuando empecé a ver videos en YouTube me sentí abrumado por la cantidad de videos que habían, y me sentí realmente intimidado. No me inspiró, sino que más bien me desanimó a hacer videos. Pensaba: “si hago videos, ¿tengo que hacerlos así?”, lo cual me desanimó. 

Pero, sabes, fue exactamente igual cuando empecé a hacer música. Cuando empecé a hacer música, estaba escuchando el trabajo de otras personas, y me preguntaba “¿así es como tenemos que hacer nuestra música también?” Mediante aprendía a hacer música, tuve la realización de que no es así: puedo ser libre, puedo hacer lo que yo quiero, no hay límites, y simplemente puedo ser yo mismo. Alguien en algún lugar puede estar interesado, y si no, pues no hay problema. 

Así que empecé a hacer videos con el mismo espíritu: solamente quiero ser yo mismo. No tengo agenda, no tengo nada que vender, si hay gente que quiere trabajar conmigo me alegra, pero estoy mas interesado en conectar con personas a través de una filosofía de como hacer música. Las personas se te acercan por tu personalidad y por como tu los inspiras, lo cual me inspira de vuelta. Eso es lo que yo quiero.

 

DJLab: Me parece que el hecho de que te sientas liberado al crear material educativo tiene un efecto positivo sobre tus estudiantes, ya que ese tipo de actitud es contagiosa. Si enseñas música con una vision sin prejuicios, tus estudiantes se sentirán mas cómodos haciendo lo que ellos quieran. Si tus profesores te dicen “esta canción está bien mala”, o algo por el estilo, mas bien te va a dar miedo ser creativo.

Pheek: Lo que dices resuena conmigo. Cuando doy clases, me gusta que mis estudiantes lleven varios cursos conmigo para que podamos trabajar en la actitud y no solo en los aspectos técnicos de la producción musical.

Algo que me interesa es que los estudiantes estén en un estado de observación y no de juicios y prejuicios. Cuando estas realmente observando lo que haces, lo que otras personas hacen, y como estás interactuando con todo eso, podrás realmente encontrar tu libertad. Las personas pierden su libertad cuando, en vez de observar, se empiezan a comparar con otras personas. He visto que la comparación lleva a la depresión y ansiedad. Yo voy en la otra dirección. He visto personas tratando de imitar otros artistas, y pienso en que yo solamente voy a hacer lo mío. Esto me da más libertad, y me inspira aun más.

DJLab: Recientemente me he cuestionado mucho la motivación que me mueve a crear música. Como profesor, ¿qué tanto piensas en la manera en la que tus estudiantes interactúan con su arte?

Pheek: Claro, yo también pienso mucho en eso, y puedo obsesionarme un poco.

Como profesor, tengo dos tipos de estudiantes: estudiantes de largo plazo y estudiantes de corto plazo. En ambos casos necesitas entender las necesidades de la persona que tienes en frente, sin juicio alguno. No estoy ahi para juzgar, estoy ahi para intentar alimentarlos con la información que necesitan. Estoy interesado en darles la información “plus plus” – cuando me preguntan algo, voy a explicarlo, pero también voy a agregar una “galleta”, algo adicional que lleva la respuesta a otro nivel. Esto es para mostrarles que para cualquier pregunta, siempre hay diferentes capas de información. 

Por ejemplo, si alguien me pregunta cómo hacer un sidechain del kick con el bajo, les dare la información, pero también les voy a dar tips de cómo hacer el kick mas “punchy”, porque básicamente eso es lo que me están preguntando. Esto crea confianza en lo que yo tengo que ofrecer, y los invita a hacerme más preguntas porque mis respuestas tienen riqueza. Entre más riqueza tenga la respuesta, más se va a alimentar el estudiante, lo que va a llevar a un mayor crecimiento personal y a que quieran algo más profundo cada vez. Usualmente esto lleva a que alguien trabaje por un largo tiempo conmigo.

Solo después de trabajar con alguien por un largo tiempo es que puedes trabajar cosas realmente profundas, y ver como la música es mucho más que escribir melodías. Pero eso solo se puede analizar a través de un largo periodo de trabajo, cuestionamiento, y realizaciones. Es fascinante. 

Sello Disquero

Además de ser productor y educador, Jean-Patrice también tiene su propio sello disquero, Archipel Musique Canadá. Sentí curiosidad por saber cómo sus experiencias en estos diferentes campos interactúan para formar una visión holística de la industria musical. Conversamos de sus experiencias manejando un sello, y de sus recomendaciones para artistas emergentes.

DJLab: Ahora que mencionas las relaciones de largo plazo que tienes con tus estudiantes, ¿hay alguna similitud con artistas que forman parte de tu sello disquero?

Pheek: No, de hecho me parece que tener un sello es bastante aburrido. 

Siempre he querido tener un sello para crear un espacio donde se pueda tener investigación y desarrollo artístico con otras personas. Archipel tiene aproximadamente 200 publicaciones o más, pero lamentablemente la cantidad de personas en mi sello con las que podría realmente ir profundo en su desarrollo son quizás menos de 5. Esto está bien, ya que la persona se tiene que dedicar al sello, y tiene que sentirse bien con esto. En mi caso, siento que mucha gente vino al sello porque querían estar en el sello, pero una vez que hiciéramos su publicación, no volvía a oír de ellos a menos de que quisieran algún pago. No hubo ninguna construcción de relaciones.

Por eso, prefiero por mucho manejar mi coaching community en Facebook, que está mucho más vivo. Amo poder responder y dar comentarios al trabajo de la gente, Me gusta verlos 6 meses después y ver algo que me impresiona. Eso es lo que quiero.

DJLab : ¿Cuál es el valor de un sello disquero en el 2020? ¿Nos deberían importar? ¿Qué pueden brindarle a un artista? ¿Es necesario que un artista busque un sello?

Pheek: Tengo una respuesta dividida para eso, porque siento que los sellos siempre tendrán un lugar. 

En mi opinión, un buen sello es uno donde el dueño tiene experiencia con empujar una publicación para que sea exitosa, mezclado con una red muy fuerte de medios y DJs, etc. El sello esta ahí para detectar un artista que pueda responder una necesidad que tenga el mercado en el momento. Si el sello encuentra esa música, tiene la experiencia para ponerla en el mercado, y puede hacer lo que el artista no puede, que es aproximarse a las personas con las que el artista tiene dificultad acercándose. El sello también puede ayudar al artista diciendo “vamos a usar este tipo de arte visual, vamos a pasarlo a estos DJs que van a tocarla en festivales, y vamos a publicarla en tal momento porque es el mejor momento del año para publicar”. 

Dada la experiencia y especialización que tiene una disquera… si eres un artista famoso, no necesitas un sello, puedes simplemente crear tu propio sello. Pero, si eres un artista, es bueno no tener que manejar todos los temas promocionales por tu propia cuenta, querrás que alguien más haga eso. Sólo querrás hacer música e ir de gira. Así que si alguien puede hacer el trabajo sucio en tu cuenta, es bastante cool decir “Ok, aquí está mi disco completo. Aquí está el sello: hagan un buen trabajo con la publicidad, y yo voy a hacer lo mío.” Es como tener un equipo trabajando para ti.

DJLab: Muchas personas que están iniciando su carrera, terminan su primer disco, y consideran ponerse en contacto con una disquera. Si les pudieras dar un consejo para acercarse a un sello, ¿cuál seria?

Pheek: Yo les diría que no contacten el sello si vienen saliendo de un programa educativo. Siento que si un sello va a trabajar con ellos, va a pasar por su cuenta. Cuando las personas buscan a un sello desesperadamente, terminan trabajando con alguien que no les interesa trabajar con ellos, y no les van a dar el trato que merecen. Lo más desesperado que parezcas para trabajar con alguien, lo menos que va a funcionar. Muchas personas entran en contacto con sellos, pero se aproximan de maneras incoherentes que termina siendo spam en los buzones de entrada de los correos del sello. Lo que termina pasando es que los sellos no consideran a las personas que los contactan, sino que sólo quieren trabajar con personas que ellos ya conocen.

Por eso es mejor crear una red de amigos que son músicos y trabajar en tu música, para que tu trabajo sea original y tenga personalidad, y que sientas que es sólido técnicamente. Eventualmente podrás topar camino con un sello, o tus amigos serán firmados por un sello, o el amigo de un amigo estará buscando artistas para su sello, y entonces será un buen encuentro. Sabrás que conoces a las personas, y que realmente les importa tu música. Será un mejor encaje, y será más sostenible para ambas partes. 

Honestamente yo no escucho demos que le mandan a mi sello. Solamente escucharé un demo si algún artista que ya esta en mi sello me lo pasa. Así sé que hay un filtro, y lo consideraré. Pero mientras va pasando el tiempo, me siento menos y menos interesado en trabajar con personas que no conozco, no le veo un punto. Es una apuesta, y a quién va a beneficiar más? Al artista, probablemente, especialmente si eres un sello que ha existido por un largo tiempo, ya has construido tu imagen, tienes seguidores, etc. Es importante ser selectivo, y decidir, si voy a trabajar con alguien, tengo que querer ayudarle, tiene que haber alguna intención, y necesito saber que mi energía va a volver de alguna u otra manera. Sino, es un gasto de energía y tiempo, tiempo que podría estar invirtiendo ayudando a alguien que de verdad necesita mi ayuda.

Proceso Creativo

Una parte fundamental que se explora en la nueva serie de tutoriales de Pheek es el proceso creativo y la generación de ideas. Hablamos de diferentes estrategias para organizar sesiones y recursos, y como esto influye en el proceso creativo. Hablamos de los conflictos que pueden haber cuando intentamos tener un setup perfecto, y cómo eso puede frenar la creatividad de una persona.

DJLab: Algo que me llamo la atención de tus videos es cuándo hablas de la organización. La organización se limita a temas tangibles (cómo organizas tus herramientas, por ejemplo) o, ¿tiene manifestaciones mentales también?

Pheek: Yo siento que soy una persona muy caótica, y mi organización no es tan buena. Pero cuando veo que hay alguna razón para organizar parte de lo que yo hago, lo organizaré muy bien. 

Por ejemplo, la organización de plugins es algo en lo que trabajo mucho, porque necesito esos efectos, y necesito encontrar rápidamente los plugins que uso. Tengo una colección de como 1500 plugins, lo cual es una locura, ¿sabes? Pero los uso casi todos en algún punto, solo necesitas saber cuál usar en cuál momento, y no hay manera de que voy a encontrar un plugin si no me organizo. Como soy apasionado por las herramientas, voy a organizar esa parte fuertemente. Es lo mismo con samples, uso herramientas para organizar mis samples. 

Cuando estoy trabajando, y veo que estoy invirtiendo mucho tiempo repitiendo las mismas cosas una y otra vez, voy a buscar alguna manera de automatizar u organizarme de tal manera que pueda ahorrar tiempo. Parte de la razón por la que cobro tan poco por lo que hago es principalmente porque trabajo muy rápidamente, y esa es la única manera de hacer ganancia. 

Para responder tu pregunta, estoy dejando una gran parte de desorganización, porque la aleatoriedad de ciertas partes de mi vida traen accidentes felices, y no quiero mucha organización, sino perdería descubrimentos felices, que constituyen una parte enorme de mi trabajo. 

DJLab: Otra cosa que me llamo la atención de tus videos es como te enfocas en la importancia de la reacción como un instinto creativo, como cuando hablas de utilizar material de sesiones pasadas, por ejemplo.

Pheek: Claro, pero sabes que aunque estuviera empezando sin material de sesiones pasadas, igual estaría trabajando en reacción a algo.

La música electronica no es como el rock, donde tienes una batería y una guitarra. Ahí tienes una instrumentación predeterminada con la que vas a trabajar, y no hace falta cuestionarse lo que vas a hacer: vas a escribir una melodía en la guitarra, y vas a agregarle batería. Puedes agregar efectos si quieres, puedes escoger tu escala, etc. 

Pero en la música electronica, las combinaciones son interminables. Dónde iniciar a trabajar puede volverse un problema enorme. Puede ser muy abrumador, no solo en términos de cuál sonido quieres usar, porque de cierta manera tienes acceso a todos los sonidos imaginables, pero todos estos sonidos son difíciles de hacer. Así que las variables de donde iniciar pueden ser increíblemente confusas para personas nuevas porque tienen una ilusión de que todo es sencillo porque todo es accesible y hay acceso a todo. Pero al mismo tiempo, entre más intenten tenerlo todo, tendrán menos control sobre lo que tienen. Su cabeza esta pensando “ok, necesito comprar esto, necesito comprar aquello”… la carrera constante de tratar de encontrar el “setup perfecto”. 

Conozco personas que han pasado 10 años comprando y vendiendo cosas, pero sin terminar ni una canción, porque están buscando la condición perfecta para iniciar a hacer música. Cuando empiezan a trabajar en su música, no les suena como ellos quieren, así que dirán “es por esto, es por aquello”. Pero la razón verdadera es que están empezando desde nada. El mundo de la música electronica es cómo los Klondike, porque constantemente van a estar inventando cosas nuevas que quieren que compres. 

Así que lo que estoy tratando de hacer es imponerme limitaciones. Mi limitación es ver mi vida de creación musical como una enorme historia que nunca tiene pausa. Eso lo puedo lograr al continuar del punto en el que terminé en la sesión pasada, y eso puede lograrse al reciclar algunos samples, reciclar algunos presets, etc. A veces tomo el template de mezcla que tengo para una canción, le quito todos los clips, y luego importo los clips de otra sesión, que ahora tienen los efectos de la primer canción. 

Así que todas estas cosas son maneras de limitarme que le dan una dirección a mi música, mientras que otras personas te dirán que necesitas una cosa nueva para hacer mejor música. Yo estoy aplicando el pensamiento opuesto.

DJLab: Siento que la pregunta que te estas haciendo es: ¿que haría yo si estuviera en esta situación? en vez de intentar forzar alguna otra situación. A veces es decepcionante no sonar como un artista que uno admira, pero uno no es esa persona en la situación artística que ellos crearon. Es mejor ser uno mismo en su propia situación artística.

Pheek: Esta manera de pensar viene del teatro, que es mi campo de preparación académica. Hay una forma de teatro que se llama teatro de improvisación, donde te dan parámetros de que lo que vas a improvisar. Por ejemplo: lo que harás durará 5 minutos, necesitamos un policía y un criminal, y queremos que actúes como si estuvieses en una película de Martin Scorsese. Solamente tienes unos segundos para pensar dónde vas a iniciar. Así que piensas “estoy en una película de Martin Scorsese”, y piensas en las películas que ha hecho, y estarás actuando con alguien más. No hablamos, pero tenemos que crear una obra de 5 minutos que se sienta como una película de Scorsese. 

Así que esa mentalidad de pensar rápido e improvisar con lo que tienes y tener limitaciones te da muchísimo poder para sacar lo máximo de lo que tienes. Cuando estás improvisando, nunca buscas la perfección, solamente quieres terminar la obra y terminarla bien. Eso es lo único que realmente importa. 

En la música, la principal limitación que se dan las personas es la peor limitación que hay, que es intentar crear la canción perfecta.  Si tu meta es crear una canción perfecta, nunca lograras iniciarla ni terminarla. Tu mente estará fijada en lo que es perfecto, y ningún esfuerzo será suficiente. 

Otra cosa a la que le doy mucha importancia es que las personas hagan música, y que hagan mucha música, y que hagan mucha música imperfecta. Si hacen 100 canciones, quizás 5 serán obras maestras, y esa es la razón por la que quieres hacer música, porque nunca sabrás cual será una obra maestra, y nunca sabrás cuando pasará, y puede que ni sepas que hayas hecho una obra maestra, y ese es el espíritu – eso es lo que quieres aprovechar.

Tecnología: Ableton, Reason, FL Studio

Algo que no podía faltar: hablar de nuestras herramientas favoritas. En esta sección, Pheek nos cuenta cómo llego a usar Ableton Live, y las experiencias que ha tenido realizando música con herramientas como Reason y FL Studio en diferentes configuraciones.

DJLab: En el video mencionas que empezaste a trabajar con Ableton en el 2002, ¿correcto?

Pheek: Sí, básicamente unos meses antes de que sacaran la primera versión.

DJLab: ¿Cómo se dio esto?  ¿Cómo tuviste acceso previo a su primera publicación?

Pheek: Tuve un concierto con Robert (Henke, co-fundador de Ableton) a finales de los 90s, y tuvimos una conexión instantánea. También conocí a su colaborador de esos tiempos, Gerhard (Behles, también co-fundador de Ableton). Encajamos naturalmente, estábamos pensando en lo mismo, en un espíritu muy parecido. 

Cuando se empezó a desarrollar la primer versión, yo era parte de un colectivo que tocaba música electronica en vivo en Montréal. Le enviamos un correo a Ableton porque habíamos escuchado de su programa. Recuerdo que vimos a Robert tocar un concierto usando Ableton, en el momento ni sabíamos qué era, solamente estábamos viendo su computadora sobre su hombro, y usaba una version muy primitiva de Ableton. Creo que estaba hecha en Max.

Lo contactamos, y le dijimos “somos un colectivo de música electronica en vivo, y nos encantaría ser parte de esto. Podríamos realizar pruebas beta de lo que tengan, y darles feedback. Podríamos hacer un intercambio.” Así que nos dieron algunas copias. Me dieron una copia a mí, y dos o tres de mis amigos también recibieron copias. 

Como yo siempre abría los conciertos, fui una de las primeras personas en usar Ableton para un concierto, ni siquiera había salido comercialmente aún. En retrospectiva, siento que fui bastante audaz al hacer eso, pero funcionaba bien. Sé que era demandante para mi computadora de ese entonces, pero estaba funcionando bien. Era muy divertido y me estaba obligando a re-pensar como hacía mis live sets, porque antes estaba haciendo todo en FL Studio. Tuve que exportar todo e importarlo en Ableton. Tuve que pensar en cómo crear algo que no fuera solo tocar clips, sino que también tuviera improvisación, como en el jazz.

DJLab: En uno de tus blogs recientes, hablas de la experiencia de volver a FL Studio después de un largo tiempo. ¿Qué piensas sobre la influencia que puede tener una herramienta sobre un artista cuando compone? Por ejemplo, si un dado programa te facilita hacer ciertas tareas, tu música va a ser afectada por eso. ¿Cómo sientes que diferentes herramientas cambian tu música, dado que cada herramienta tiene prioridades diferentes?

Pheek: Empece a usar Reason porque amaba el hecho que podia estar en otro ambiente. Una vez que empecé a utilizar Reason y FL Studio, empecé a pensar que Ableton se ve muy clínico. Amo lo juguetona que es una herramienta como Reason o FL Studio. Hay algo geeky de estas herramientas, algo medio ciencia-ficción, no se siente como software. Se siente mas como un juguete. 

Yo diría que yo no soy tan productivo con estos programas como lo soy con Ableton. Empiezo ideas diferentes, porque los botones están configurados diferentemente. Cambia un poco el sonido que tengo. Las melodías que compongo con estos dos programas son significativamente diferentes que en Ableton. El ultimo álbum que publiqué (publicado Abril 2019) fue hecho en Ableton y en Reason. Siento que es un álbum bastante diferente a lo que hago usualmente.

DJLab: Tu album salió antes de la ultima actualización de Reason, ¿correcto?

Pheek: Sí, la ultima versión de Reason recién ha salido, y ya la compré, siempre las compro.

Este año no he estado inspirado en crear música por mi cuenta, y he estado más interesado en la colaboración, más que nada porque, después de 23 álbumes, como re-inventarse puede volverse un gran problema. Las herramientas son muy importantes, y esa es una razón por la que lo compré, siento que puede traerme algo.

DJLab: Algo interesante de Reason 11 es que lo puedes usar como un plugin dentro de otros DAWs, lo cual te da el estudio modular de Reason como herramienta dentro de otros programas.

Pheek: Si me preguntas, es un “gamechanger” enorme. Estuve enormemente impresionado cuando lo abrí en Ableton y vi lo poderoso que era. Antes solía usar Re-wire, y era un desastre muy molesto interconectar todo. Ahora, como un VST, están abriendo puertas a resultados creativos que son simplemente increíbles. Todo el lado de Max de Ableton puede influenciar lo que sucede en Reason. Por ejemplo, Observer, el patch que programaste, hace cosas muy locas con Reason. Puedo mapear cualquier parámetro, y hacer configuraciones muy aleatorias y ver qué sucede. Es super interesante.

Colaboración y escena

Como último punto, hablamos de los proyectos que ha desarrollado en conjunto con otras personas, y sus recomendaciones para formar una escena en un país emergente.

DJLab: ¿Cómo han sido tus experiencias colaborativas produciendo música electronica?

Pheek: Tengo que tener química con las personas. Tengo que sentir una atracción natural a la persona, tengo que querer hacer música con ellos tanto como quiero ser su amigo. También tengo que sentirme inspirado por la música que estén haciendo. Si hago una colaboración con alguien, básicamente es porque ellos están haciendo algo a lo que yo siento que puedo brindar algo. No estoy colaborando por ningún otro propósito que porque puedo ayudar a hacer de su material algo mas grande de lo que ellos harían por su cuenta y de lo que yo haría por mi cuenta, y que si trabajamos juntos, traerá algo realmente especial. 

Algo que es genial es que dos colaboradores que tengo son ex-estudiantes que se volvieron amigos después de ser estudiantes por años. Lo increíble es que como estudiaron conmigo, yo sé como ellos trabajan, y ellos saben como yo trabajo, así que el workflow es increíblemente rápido. Están entrenados a trabajar en la manera en la que yo hago música, así que es imposible no ser productivo. Ellos traen sus propias ideas y luego me inspiran de vuelta.

DJLab: Y por un lado técnico, ¿cómo sueles manejar las colaboraciones en términos logísticos? ¿Usas alguna herramienta como Splice?

Pheek: Hay varias maneras de trabajar. Si no hay choque de version de software, simplemente intercambiamos proyectos. Sino, intercambiamos stems, porque a veces yo tengo muchos plugins que ellos no tienen, así que consolido los tracks, así es mas sencillo. Usualmente soy el que hace la mezcla, pero me gusta cuando ellos hacen el diseño de sonido. Amo hacer diseño de sonido, pero duro mucho tiempo haciéndolo, no tengo el tiempo. Usualmente encuentro gente que es muy buena con diseño de sonido para complementar las cosas en las que yo soy bueno.

DJLab: Cuando te estabas desarrollando en tu escena, ¿que tanta importancia sientes que tenía el lugar en el que estabas? Viniendo de un país tradicionalmente más desarrollado como Canadá, ¿qué le recomendarías a la escena de un país que se esta iniciando a desarrollar? ¿Cómo nos podemos apoyar mutuamente? ¿Cómo podemos cultivar a la comunidad para asegurar que nos estamos ayudando y que estamos conectando con un público?

Pheek: Nací en Montréal, pero crecí en el campo, estaba muy aislado y fue muy difícil. También crecí en un periodo del tiempo donde la música electronica era muy mal vista. La gente se burlaba de ti, te decían cosas horribles. Era muy malo. Fue muy difícil al principio. 

Siento que quizás adonde ustedes están es una situación similar. En una manera, es muy cool, ya que pueden ser los investigadores que crean los fundamentos para un movimiento futuro, que es extremadamente poderoso, y te da muchísima dirección artística, lo cual es muy emocionante. 

Siento que la actitud correcta para hacer que algo crezca es cultivar esnobismo saludable. Es extraño, porque a inicio de los 90s, como siempre se burlaban de las personas que amaban la música electronica, la gente se volvió muy snob. Si alguien nos decía que quería venir a nuestros eventos, la gente de la comunidad se cuestionaría las intenciones de esa persona. No les dirían que no, pero serian escépticos de si esa persona encajaría en el grupo. 

Fue igual cuando yo crecí como adolescente, yo no intentaba “convertir” a las personas hacia la música electronica, porque sabía que fallaría. Por el otro lado, invertía toda mi energía en tener conexiones muy fuertes con las personas que también amaban la música electronica. A las personas que sabíamos que realmente amaban la música, les dábamos los nombres de toda la música que tocábamos, donde la habíamos conseguido, cómo hacer un DJ set, cómo comprar buenas tornamesas. Forjamos amistades realmente fuertes con las personas con las que compartíamos gustos, y siento que ese es el tipo de cosas que países con escenas más pequeñas deberían estar haciendo.

Necesitan encontrar un hub, como un bar en el que puedan tocar música, y no tratar de hacer anuncios sobre eso. Nada mas es cuestión de tocar música muy buena a gente que realmente la ama. Como es música, la gente va a oír de eso, y alguien le va a decir a otras personas, y a se dará comunicación de boca en boca. Si empieza a generar interés, habra un flujo natural, y la gente querrá cosas mas grandes. 

Yo diría que todos los promotores exitosos que he visto tomaron ese tipo de enfoque. Al principio, no estaban tratando de ser amados por todo mundo. Realmente no estaban tomando ninguna concesión en lo que estaban haciendo – hacían las cosas como ellos querían para la gente que lo quisiera, y al resto no les prestaban atención.  Siento que esa es la razón por la que movimientos de música electronica fueron exitosos. 

Este artículo fue escrito por Armando González Sosto. Armando es un músico, ingeniero de sonido, productor musical y artista computacional Costarricense. Puedes ver más de su trabajo en su sitio web, www.argosos.com