PARLANTE: Conferencias 7 y 8

PARLANTE: Conferencias 7 y 8

Como te mencionamos en un post previo, la escuela de arte sonoro y artes visuales, Ars Sonorus en Colombia comenzó el ciclo de conferencias sobre arte sonoro: PARLANTE. Estas conferencias virtuales se realizaron cada sábado hasta el 26 de Junio, cada una a cargo de distintos investigadores y artistas sonoros internacionales.

Si te perdiste la reseña de las conferencias 5 y 6 a cargo de Félix Blume y Amarilys Quintero, podés leerla aquí.

7. Voz encarnada

Rommel Hervez (Venezuela)

La conferencia a cargo del artista multi y transdisciplinario Rommel Hervez, se enfoca en reflexionar sobre la voz como instrumento. Más allá del concepto contemporáneo del canto en el contexto musical, Rommel explora cómo la voz se convierte en una experiencia personal y con el entorno.

Rommel menciona la conexión entre lo vocal y lo sagrado, cómo las referencias bíblicas de la creación del ser humano suelen involucrar el aire entregado por un creador, como lo es en el libro de Génesis. Otras historias bíblicas como la separación de las lenguas durante la construcción de la torre de Babel nuevamente sirven para asociar nuestra capacidad de vocalizar con lo divino y poderes más allá de lo humano. Más allá de las historias, las tradiciones religiosas modernas están llenas del poder de la voz, como lo es la oración, los cánticos y demás. Cómo Rommel lo describiría, “La voz une a los hombres con los dioses.” Este es un vehículo privilegiado de comunicación.

 

Como poetas sonoros, todos los sonidos son potenciales herramientas e instrumentos para crear una pieza de arte y aunque haya mucho enfoque en este ámbito por los sonidos de la naturaleza, no deberíamos descartar los sonidos de todas las criaturas, incluyéndonos. La resonancia de ciertas consonantes, letras, la forma en la que respiramos y controlamos nuestro aliento, la guturalidad y el uso de distintas partes del cuerpo, todas estas son cosas que podemos controlar y manipular para crear arte sonoro. Como los parámetros de un sintetizador, nuestra voz es un instrumento de diseño sonoro con el que podemos jugar y explorar.

 

 

Además del aspecto sonoro de la voz, Rommel enfatiza el hecho que este es un instrumento tan personal. Todos tenemos nuestra propia voz, nuestra propia lengua que debemos descubrir y explorar. Es un instrumento emocional, el primero que aprendemos a usar.

Por último, Rommel nos menciona su implementación de resonadores de yeso como una herramienta extra para explorar las posibilidades de lo que se puede crear con la voz. Estos resonadores funcionan como amplificadores con los que se puede jugar para resaltar ciertas resonancias.

Para aprender más sobre el trabajo de Rommel Herves podés encontrar su canal de youtube aquí.

8. Técnicas extendidas, una realidad al servicio de la creatividad

Jorge Hernáez (Argentina)

El contrabajista, improvisador y compositor electroacústico Jorge Hernáez impartió una conferencia sobre técnicas extendidas en instrumentos de cuerda como forma alternativa de producir sonido y explorar nuevas posibilidades sonoras.

Las técnicas extendidas, como mucho del arte sonoro, nacen de la exploración sonora, la curiosidad y la inquietud de probar cosas nuevas y desafiar las normas establecidas de interactuar con instrumentos y el sonido. Estas se convierten en un lenguaje propio, con la estética de cada intérprete influenciando su forma de interactuar con el instrumento. Poniendo de ejemplo el pizzicato, existen varias distinciones de esta técnica que no siempre fue parte de las herramientas que un violinista tenía a su disposición. Pizzicato ala Bartók, ala Paganini, de dos manos, “guitarrístico.” Todos estos podrán producir un sonido relativamente similar, pero la forma física de crearlos es muy específica.

Al ser contrabajista, Jorge nos relata de forma un poco más detallada el trayecto del instrumento en relación a las técnicas extendidas. Siendo un instrumento en la intersección del papel rítmico y armónico en la música, hay mucho potencial en los roles que el instrumento puede cumplir y que se pueden explorar. La forma tradicional de tocarlo involucra un arco, pero aún eso nos abre a preguntarnos, ¿por qué usar siempre la misma parte del arco para usar? ¿por qué no el tornillo, o el talón? Lo mismo se extiende a las cuerdas y al bajo mismo. Como un ejercicio de diseño sonoro, comenzamos a pensar más allá de la composición rítmica o armónica, pero también en texturas y su intención.

El desarrollo y aprendizaje de este nuevo lenguaje musical y sonoro es progresivo, ya que requiere conocer muy bien el instrumento. Hay horas de exploración detrás del descubrimiento de nuevas formas de interactuar y crear sonidos, pero permite acceder texturas y herramientas sonoras que previamente no existían.

 

 

Extendiendo aún más lo que es posible con un instrumento, Jorge nos habla de su trabajo combinando lo acústico con lo eléctrico, haciendo uso de herramientas como e-bows sobre las cuerdas de pianos y percusión, pedales MIDI y Pure Data, un lenguaje de programación visual usado para crear música y obras multimedia de forma digital. Este tipo de interacciones electro-acústicas pueden ir en ambas direcciones, enviando y recibiendo información hasta convertirse en una colaboración con lo digital.

Como otro ejemplo de esta disciplina, nos cuenta del proyecto “Circadian World Clock” de David Haney, con el que estuvo involucrado en el 2019. Para esta serie de composiciones se usaron grabaciones de campo e instrumentos siendo tocados usando técnicas extendidas.

 

Cabe mencionar que las exploraciones de Jorge van más allá de la creación de sonido pero también dentro de su reproducción. Lleva años trabajando con sonido cuadrafónico, el sistema de sonido surround 4.0 usando cuatro parlantes colocados a 90 grados que permite que el sonido se mueva de manera tridimensional.

Diagrama de cuadrafonía


Para aprender más sobre el trabajo de Jorge Hernáez, podés encontrar su
canal de youtube aquí.

Escrito por Pablo Hernández (smolbits), ingeniero en sistemas, músico multi-instrumentista y graduado del curso de Producción Musical con Ableton Live de DJLab y Brooklyn Digital Conservatory.

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